No infravaloréis Sexo en Nueva York

Os oigo a muchos de vosotros decir ” Sexo en Nueva York es una serie para mujeres” con cierto desprecio. Pues sí, por fin, una serie sobre nosotras. Conseguís que la idea de cuatro mujeres siendo libres sexualmente hablando en una gran ciudad suene mal. Pues no, no nos vais a quitar esto. No nos vais a quitar Sexo en Nueva York . (Sin spoilers ) Sexo en Nueva York fue una revolución en su momento. Puede que ya no lo sea. Puede que la veamos hoy en día y nos chirríen ciertas cosas. Ya sabéis, ese capítulo en el que Carrie decide que es demasiado mayor como para ser bisexual, como si solo se tratara de una moda entre los millennials . Por no hablar de lo mal que trata a los personajes homosexuales, reduciéndolos a chichés, o invisibilizando a las personas trans, asumiendo que todos los hombres tienen pene. O el hecho de que sean mujeres de treinta y tantos años con los hombres como único tema de discusión. Pero en el fondo, ¿no es eso lo que les obliga a hacer el patriarcado? No son simplemente mujeres intentando ser felices en una sociedad que no se lo permite. Son poderosas y a la vez no llegan a serlo del todo, siguen siendo unas inseguras emocionalmente hablando, ¿por qué? Quizá se las ha educado así, quizá se nos ha educado a todas así. No vamos a fingir que la vida de los personajes no gira entorno a los hombres. Lo hace, más allá de los brunch en los que los problemas que tienen en sus relaciones ocupan siempre el lugar principal. Tenemos a Carrie y Charlotte, mujeres exitosas con grandes apartamentos en la Gran Manzana y con trabajos estables por los que sienten pasión, y aún así son capaces de dejarlo todo por un tío. Pero también tenemos a otras como Samantha o Miranda, que siempre tratan de tener el poder dentro de sus relaciones, sea cual sea la persona. Y si no lo tienen, a otra cosa. Porque son mujeres adultas y saben lo que buscan, no van a renunciar a ello. La relación de Carrie y Big es una de las cosas más problemáticas de la serie. Él nunca se preocupa por ella y ella se siente siempre insegura a su lado en vez de sentirse como debería sentirse cualquiera en una relación sala: bien. Mr Big es arrogante y egoísta, la masculinidad personalizada. Que parece que se va a romper si muestra un solo sentimiento. No, es horrible que idealice a ese personaje. Es horrible que Carrie nunca se de cuenta de lo mal que la trata. Pero lo que más me gusta de S exo en Nueva York es que por mucho que Carrie y Big estén juntos, él no es el amor de su vida. Son ellas, sus amigas. Mientras las chicas estén juntas todo irá bien. Ésta es la verdadera sororidad. Pueden ir y venir los tíos, que la felicidad sólo la encontrarán a lado de sus amigas. Juntas, se cuidan y se apoyan las unas de las otras. No hay ninguna competitividad, solo cariño. Puede que sus personajes estén construidos según la manera en la que se relacionan con los hombres, pero ellos no tienen ningún tipo de profundidad ni complejidad, la tienen toda ellas. Ellos están ahí para complementar a los personajes femeninos, para dar historietas a Carrie sobre las que escribir en su columna, no juegan ningún tipo de papel importante. Si Sexo en Nueva York hiciera el test Bechdel (del que os hablé en esta entrada ) al revés, mirando la cantidad de hombres que salen en la serie y si hablan entre ellos de algo que no sean las mujeres, no lo pasaría. ¿Cuántas series conocéis que hagan esto? ¿Cuántas son puramente sobre mujeres? Pero, en realidad, “¿qué tipo de revolución vemos en cuatro mujeres, blancas, cishetero (Samantha bi si queréis) y de clase media-alta?” , os preguntaréis. Pues mucha, teniendo en cuenta de que estamos hablando de los años 90-principios de los 2000. Es la primera vez que se muestra en televisión a las mujeres como seres sexuales y no como objetos. Sin tapujos, sin cortarse ni un pelo. Tienen relaciones lo más libremente que se puede y hablan de ello lo más libremente que se puede también, sin ser juzgadas entre ellas, en un espacio totalmente seguro. Y tratan todo tipo de temas, incluso los que eran un tabú entonces y lo siguen siendo ahora. Se centran en el placer femenino, eso ya es revolucionario en sí. De todas formas, si solo hablan de los hombres es porque el resto de cosas en su vida están perfectamente. Lo tienen todo, esto es lo único que les falta: sentirse completamente cómodas en una relación. Y al final lo consiguen: se sienten cómodas las unas con las otras. Al final la respuesta no son los hombres. Pues eso, que es una serie inteligente y divertida y que habla sobre las mujeres. Y eso ya es motivo para que sea muy importante. Isidro López ( @Drolope )

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Crítica del 4×18 "Heart of Gold" de Once Upon a Time: nothing happened in Storybrooke

Exactamente lo que he escrito en el título de la review es lo que ha pasado en este capítulo en Storybrooke: nada. Pero como no solo de Storybrooke se compone el mundo (ni el tiempo), los acontecimientos de esta semana nos han llevado a Nueva York y al Bosque Encantado en este capítulo centrado en Robin Hood y el señor Gold. Mediante

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Hecha la serie, hecha la peli

Aunque ahora no lo parezca por el prestigio que han adquirido las series durante este siglo, antaño el estatus artístico lo tenía exclusivamente el cine y, por ello (también por el aspecto económico, no nos vamos a engañar), las series mejor valoradas y exitosas probaban suerte en las salas con versiones en formato largometraje de sus historias y personajes. A continuación, repasaremos las diferents variantes de esta transición de la pequeña a la gran pantalla . ¿Quién se anima? De hecho es un fenómeno que, muy de vez en cuando, seguimos viendo a día de hoy, pues apenas hace un lustro de la conocida “Sexo en Nueva York” se rodaron, no una, sino dos películas (“Sexo en Nueva York: La película” y “Sexo en Nueva York 2″) y se siguen realizando nuevas entregas fílmicas de “Los teleñecos”. Sin embargo, los años en que se inició esta tendencia fueron los noventa (tras el precedente histórico de “Star Trek” en el año 1979), con la cinta de culto (como la serie) “Twin Peaks: Fuego camina conmigo” (1992) abriendo una brecha que seguirían “Bean, lo último en cine catastrófico” (1997, repitiendo el año 2007 con “Las vacaciones de Mr. Bean”) y “Expediente X” (1998, y su posterior -año 2008- “X-Files: Creer es la clave”), por poner un par de ejemplos populares. A caballo entre el siglo XX y el siglo XXI tuvo lugar un curioso revival de adaptaciones cinematográficas de series norteamericanas de los años sesenta y setenta, algo que ya ocurriría en 1991 con “La familia Addams”, o recientemente con “Sombras tenebrosas” (2012). En ese momento se realizaron films sobre “Los Ángeles de Charlie” (2000), “Starsky y Hutch” (2004), “Soy espía” (2002), “Superagente 86″ (2008), y, ya mirando a los ochenta, la remarcable actualización de “Corrupcion en Miami” (2006) por Michael Mann, entre otras. Evidentemente, las series de animación no escapan a este hábito . De hecho, son las que más se han adaptado al cine a lo largo de la historia audiovisual. Y hay ejemplos a porrón: la trilogía de “Las tortugas ninja” (de la cual veremos otra nueva cinta este año -estreno en España: 26 de septiembre-); “Beavis y Butthead recorren América” (1996); “Inspector Gadget” (1999); “Los Simpson. La película” (2007); “Garfield “(2004); “Scooby Doo” (2002); la recientemente mencionada en nuestro artículo sobre la serie “South Park. Más grande, más largo, y sin cortes” (1999); “Dragon Ball: La batalla de los dioses” (2013), una de tantas en cuanto a Bola de Dragón, sin olvidar la lamentable versión con personajes de carne y hueso “Dragonball evolution” (2009). Hay muchas . Por la parte que nos toca, aquí en España sólo tenemos la experiencia de “No te fallaré” (2001), que aprovechó, sin ser un taquillazo rotundo, el tirón mediático de la exitosa serie juvenil “Compañeros”. Sin embargo, en el 99% de los casos, y parafraseando el clásico ‘era mejor el libro’ , podemos decir que, efectivamente, siempre es mejor la serie. Fuente imagen: Film-cine

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TWD: AMC bromea con sus zombies en Nueva York

Hace unos años sería impensable, pero hoy en día es más efectivo meter a un grupo de zombies en una alcantarilla de Nueva York para la promoción de la “nueva temporada” de The Walking Dead , que hacer una buena promo con imágenes inéditas y comentarios del reparto. Es el caprichoso poder de las redes sociales, claro, que deciden qué se convierte en viral y qué no en base a razones algo opacas. A las pruebas me remito: ¿buen vídeo de casi 4 minutos presentando la segunda parte de la temporada? 485 mil reproducciones en Youtube en dos semanas; ¿broma en Nueva York en la que unos zombies aparecen de las profundidades para asustar a inocentes transeúntes? Más de un millón de visualizaciones en 24 horas. Ya sé que la reflexión es un poco tramposa, porque la broma la puede ver todo el mundo y la promo sólo los seguidores de la serie, pero no sé si AMC eso le importa demasiado… En fin, os dejo con el vídeo, que para mí es fantástico en su concepción, pero se queda algo a medias en la ejecución. A ver qué pensáis.

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Review Treme: …To miss New Orleans

Se acabó. Como si de la muerte de un gran amigo se tratase, Treme se despide definitivamente de su audiencia y nos deja con un vacío existencial que será difícil suplantar . Ya sabíamos que esta recortada temporada se haría corta y que nos quedaríamos con ganas de más, pero esta sensación se ha potenciado por el alud de carga dramática y emocional que han desplegado estos episodios. Pese a la corta duración de la temporada, David Simon ha conseguido cerrar el relato con auténtica maestría, tratando con delicadez el arco individual de cada personaje y respetando la esencia de la serie. Un final excelente que deja a Treme como la primera novela audiovisual de la historia , una obra dividida en cuatro actos que ha conseguido adentrarse en el corazón de sus espectadores. Innovadora y auténtica, Treme ha tenido desde sus inicios un carácter reivindicativo, exaltando la mala gestión política realizada tras la devastación provocada por el Katrina en Nueva Orleans . Aunque su verdadero punto fuerte ha sido la excelente caracterización y desarrollo de un grupo de personajes, que hemos visto crecer y madurar durante el transcurso de estos cuatro años. A continuación, repasaré la clausura de los diferentes arcos narrativos de cada uno de ellos: Jannete y Davis están juntos de nuevo, pero el cauce de la relación toma unos derroteros muy distintos a antaño. Davis es un hombre más maduro y responsable, aunque siempre mantendrá su imprevisibilidad, hilaridad y espíritu libre tan característico. Un personaje que en un principio no resultaba muy atractivo, pero conforme fuimos conociéndolo descubrimos su enorme corazón y acabó por seducirnos de forma inapelable. Jeannette consigue redimirse y poner su nombre en el cartel del restaurante, gracias a las gestiones realizadas por Nelson. Un personaje que durante la segunda temporada corrió el riesgo de convertirse plano y bidimensional, pero que los guionistas supieron darle un giro y enseñarlo como una persona realmente enamorada de la cultura de la ciudad. Sonny y Annie vuelven a verse en una deliciosa escena en la que ella le dedica una canción desde el escenario. Ambos han pasado mucho desde los tiempos que tocaban juntos en la calle, por lo que esa mirada de complicidad que tienen es eléctrica. Sonny ha tenido menos protagonismo durante esta temporada debido al recorte de episodios, lo que ha acabado siendo beneficioso tanto para el propio personaje como para la historia global, ya que su redención final en la tercera temporada fue la clausura perfecta para su arco. En el primer Mardigrass sin Albert , Delmond acaba respetando el orden jerárquico y relega su puesto a George . Durante estos cuatro años hemos visto a Delmond reconectar con la ciudad e integrar la cultura en su vida y , tras la muerte de su padre, sigue considerando Nueva Orleans como su verdadero hogar. Una preciosa historia en la que Rob Brown y Clarke Peters han mostrado un gran entendimiento y química, realizando un impecable trabajo interpretativo en la dinámica entre padre e hijo. La marcha de Terry de Nueva Orleans me cogió por sorpresa, ya que, si bien era previsible que abandonara el cuerpo, no pensaba que acabaría rompiendo con Toni. Un emotivo desenlace para una de las parejas más entrañables de la serie. El cariño y respeto que se sienten es absolutamente emocionante y enternecedor. Pero la serie deja entrever que la vida sigue y que, si bien la serie cierra el telón, los habitantes de Nueva Orleans seguirán el cauce de su existencia, por lo que dejan a nuestra imaginación si la pareja podrá retornar en el futuro. Personalmente, me quedo con la sensación de que es una separación ocasional y que inevitablemente se acabarán uniendo de nuevo. Por otro lado, Terry consigue su primera victoria judicial, dejándonos a todos con un gran sabor de boca. La satisfacción por el logro no sería la misma si no hubiésemos visto a Terry luchar insaciablemente ante las injusticias institucionales, recibiendo toda clase de batacazos y fracasos. Finalmente, en una de las escenas más tiernas de la finale, vemos a Tony y su hija salir bailando con alegría al Mardigrass , rememorando esa escena de la primera temporada con Creighton. Ambas han sufrido mucho desde su suicidio, pero parece que finalmente han conseguido conciliar sus demonios, aceptar la pérdida y pasar página. Una historia realmente emocionante y sobrecogedora. Otro personaje que ha tenido una evolución tremenda ha sido el de Batiste , aunque es bastante triste que su proyecto escolar sea cancelado. Ese aula era un rincón donde Batiste se encontraba profesionalmente realizado y había conseguido conectar con sus alumnos. En cualquier otra serie, este proyecto hubiese salido adelante. Pero Treme se encarga una y otra vez de enseñarnos la cruda realidad de la vida, en la que nada es para siempre y los cambios son una constante. Batiste nos deja dos momentos hilarantes durante el episodio, al quedarse mirando el trasero de dos mujeres y pidiendo golosinas durante el Mardigrass con la ilusión de un niño. Wendell Price ha realizado un magnífico trabajo con este personaje y se ha ganado la estima de toda la audiencia con su gracia y carisma. La escena final es poética y metafórica: vemos cómo el bache con el que Davis topó en la primera temporada sigue sin estar arreglado , demostrando la ineficiencia administrativa con la que se gestionó el post Katrina. Pero David Simon, a diferencia de lo que mostró en The Wire, deja un mensaje optimista con el finale de Treme, al enseñar cómo el poste que colocó Davis ha sido decorado con toda clase de artilugios y disfraces propios de Nueva Orleans, implicando que, pese a todas las tragedias e injusticias, el amor por la cultura y la tradición siempre seguirá vigente.

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